История искусств

Древнеегипетский художник должен был рисовать фигуры строго по определенным канонам. Отсюда изображение человека "странным" для современного зрителя образом. Он как бы вывернут к нам разными частями тела. Глаз в анфас, голова - в профиль и так далее. Это все оттого, что изображения воспринимались сродни компьютерным иконкам - нужно передать смысл, а выразительность - фиг с ней. Но как ни странно, одной из самых известных древнеегипетских живописных работ сегодня является изображение лица в анфас.

Note: Это конспект "Истории искусств" Гомбриха.

Со временем развитие греческого искусства привело к тому, что все больше людей стало ценить художественные достоинства произведения, нежели смотреть на них как на функциональные вещи. Начались сравнения различных художественных школ и стилей.

В архитектуре пришел ионический стиль. Он более тонок и изящен, чем дорический. Более богато украшен.

Таким образом, художник больше не борется с ограничениями, а творит все, что он вздумает. Авторы начинают упиваться своими творческими возможностями. Например, у Праксителя не осталось и следов былого прагматизма. Постановка тела вольная, поза расслабленная. В то же время, все сочленения выполнены с предельной отчетливостью понимания их механизма.

В жизни не бывает таких симметричных красивых людей, как греческие статуи. Возможно греки копируя черты многих людей совершенствовали их, удаляли то, что не соответствовало идеалу прекрасного.

Фактически, они фотошопили фотографии в применении к скульптуре и в более широком смысле. Многие классические произведения искусства более поздних периодов являются копиями или вариантами статуй середины IV века.

Такой метод привел к тому, что индивидуальные характеры образов исчезали. Греки не знали портретов в современном понимании. Скорее всего их портретные изваяния не имели сходства с моделью. Портретом военачальника была фигура в доспехах - художник не пытался повторить черты лица. В головах всех статуй никогда не запечатлевалась характерная мимика. Эмоции передавались посредством жестов и поз, но лицо должно было оставаться в гармонии.

Портретирование начало развиваться во времена Александра Македонского. Работы придворного скульптора Лисиппа могут считаться попыткой передать черты именно Александра.

С Александром связано расространение греческого языка и искусства на большие территории. Теперь оно называлось эллиническим. Появилась коринфская колонна, которая добавляла еще больше пышности зданию. Возводились импозантные богато урашенные сооружения. Они впечатляют внушительностью и роскошью. Художников больше всего стали влечь драматические эффекты.

Мускулатура торса напрягается в муках и отчаянных усилиях, лицо страдальчески искажено, обреченные позы - и все это спаяно в устойчивую группу. Эллиническое искусство утратило связь с магией и религией. Возможно, оно было обращено к публике, жаждавшей зрелища и драмы.

Кроме того, в эллинистический период, когда Феокрит и другие поэты стали воспевать прелести пастушеской жизни, художники принялись удовлетворять запросы горожан картинами сельской местности. В них нет реальных видов, это скорее коллекции отдельных мотивов, составляющих идиллию. Кроме того, в них нет геометрии центральной перспективы.

В самых поздних античных произведениях в остаточной форме присутствуют принципы египетской живописи. Общее представление о форме объекта играет не меньшую роль, чем восприятие глаза. Греки прорвались сквозь рамки законов, но их произведения - не зеркала, отражающие натуру.

Note: Это конспект "Истории искусств" Гомбриха.

В первые столетия искусство греческих племен было суровым и довольно примитивным. Сюжетные сцены подчинялись жесткой схеме. Дорический стиль в строительстве (названный по племени дорийцев, к которым принадлежали спартанцы) обладал свойствами простоты и ясного членения форм. Вот Иктин Парфенон, который принадлежит к этому стилю.

Самые ранние из таких храмов строились из дерева и представляли собой молельную камеру с помещенной внутрь статуей божества и окруженную рядом опор, несущих тяжесть перекрытия. Около 600 года до н. э. греки стали воспроизводить эти конструкции в камне.

Колонны поддерживают каменные балки - архитавры, а вся верхняя часть - антаблемент. Выступающие торцы балок выдают деревянный прототип постройки. На этих выступах высекались три вертикальных желобка, называемых триглифами. Промежутки между триглифами называются метопы. Примечательна форма колонн: с легким набуханием к середине и постепенным сужением кверху. Возникает эффект пружинящих колонн.

С развитием и выделением Афин в искусстве произошла значимая револющия. До этого момента художники строго придерживались священных правил, на которых были воспитаны. На том, на чем остановились египтяне и ассирийцы. Но потом греческие мастера стали экспериментировать на свой страх и риск. Их интересовало, например, как на самом деле выглядит колено. Он решился доверять своим глазам, а не предписаниям. А дальше пошло по нарастающей. Кто-то решил как лучше изобразить торс, кто-то открыл раслабленную позу.

В живописи заметно наследие египетского стиля. Но и тут художники стали больше опираться на зрение. Было открыто перспективное сокращение. Около 500 года до н. э. художники впервые отважились изобразить стопу с фронтальной точки зрения.

На вазе "Снаряжение воина" показана сцена, на которой видно смешение старых египетских норм с новыми открытиями. Голова дана в профиль, но видно, что художнику было нелегко приладить ее к телу анфас. Правая ступня показана в надежном виде, но левая - в перспективном сокращении. Тут же стоит щит, не круглый, как он видится в мысленном представлении, а увиденный сбоку.

Интересно отметить, что худжники и скульпторы относились к разряду ремесленников и не очень-то уважались в греческом обществе. То есть были наравне с какими-нибудь плотниками. Хотя общественый престиж у них был и выше, чем в том же Египте.

Важно понимать, что греческое искусство служило вполне определенным целям. Античные статуи - это те идолы, бороться с которыми призывала Библия. К ним обращались люди и приносили жертвы. С приходом христианства верующие считали своим долгом уничтожать идолов, поэтому большая часть греческих статуй исчезла. То, что выставляется сейчас в музеях - на самом деле второсортные римские копии, сделанные на потребу путешественников или для украшения каких-нибудь садов или бань.

Отсюда возникло представление, что греческое искусство было холодным и блеклым, хотя на самом деле статуи были не белокаменные, а деревянные, украшенные золотом, слоновьей костью и драгоценными камнями в глазах. Человека, вошедшего в храм, и представшего перед ликом богини охватывал благоговейный трепет. В этом есть много первобытного.

Но вместе с тем, представления о демонических божествах начинают меняться. Фидий, скульптор, дал людям новое понимание божества - как нечто прекрасное, очаровывающе красивое.

Славу греческого искусства определила сбалансированность двух начал: приверженность правилам и свобода действий в рамках очерченных ими границах. Ими были открыты способы передачи форм человеческого тела под покровом драпировок. Исследованы способы передачи движения. Созданы схемы передачи эмоций через жесты и позы. Расширены возможные сюжетные вариации. Именно поэтому к греческому искусству постоянно обращались художники последующих веков.

Note: Это конспект "Истории искусств" Гомбриха.

Египетское искусство хорошо известно в первую очередь благодаря культу загробной жизни. Изобразительное искусство мы изучаем по сохранившимся росписям и убранствам захоронений. При этом египетского художника в изображении вещей интересовало только существенное. Второстепенные детали удалялись. Надо было передать неизменные свойства объекта с предельной ясностью и полнотой.

Вот на этом изображении "Сада Небамона" каждый предмет представлен с ракурса, наиболее его характеризующего. Деревья - спереди, пруд - сверху, рыбы - сбоку. Похоже на то, как рисуют дети, или на элементы картографии. При этом соответствие натуре неважно, но ясность изображения такова, что современные исследователи без труда определяют по таким картинкам виды растений и рыб.

Тот же самый принцип используется и при изображении людей. Вот, например, "Зодчий Хесира":

Каждая часть тела дается в наиболее полно раскрывающем ее ракурсе. Голова - в профиль, но глаз - в анфас. Туловище - в анфас, но ноги - опять в профиль. Контуры ступней очерчивают большой палец и подъем, отчего у "человечков" получается их по две левых штуки.

Поняв эти основы, становится интересно рассматривать египетские фрески и барельефы. Вот фрагмент из оформления гробницы Хнумхотепа. Очень красиво нарисованные элементы складываются в историю о том как хозяин гробницы ловит рыбу гарпуном.

Примечательно, что эти правила не менялись на протяжении нескольких тысяч лет. При фараоне Аменхотепе IV были допущены некоторые вольности, но потом египтяне снова вернулись к этим канонам. Художники из государств, соседствующих с Египтом так же применяли похожие изобразительные приемы. О них, правда, известно меньше, так как культ погребения был у них не настолько развит. В основном до нас дошли восхваления военных подвигов великих правителей.

Ассирийское войско осаждает крепость.

Древние племена тесно связывали изобразительное искусство с рассказами и мифами.

Вот макет жилища с тремя тотемными столбами. Резьба на этих столбах отражает следующую историю:

В городе Гвайс Кун жил молодой человек, который обычно лентяйничал
да валялся в постели весь день, пока теща не отчитала его за это.
Ему стало стыдно, он ушел и решил убить чудовище, что обитало в озере,
питаясь людьми и китами. С помощью волшебной птицы он сделал
ловушку из ствола дерева и заманил на нее двух детей для наживки.
Чудовище попалось, молодой человек обрядился в его шкуру и стал ловить рыб
и подбрасывать их к порогу сердитой тещи. Она была так польщена
неожиданными приношениями, что возомнила себя великой колдуньей.


Но когда молодой человек в конце концов все ей рассказал, она умерла от стыда."

Рассматривая произведения древних людей нужно понимать какие представления и мышление стоит за их созданием. Ошибочно думать, что история искусства - это история накопления навыков в отражении реальности. В Нигерии обнаружена эта бронзовая голова, датируемая XII-XIV вв., исполненная с поразительной правдоподобностью.

Таким образом, история искусства - это история меняющихся идей и критериев. Сейчас такие произведения выставляются в музеях, но в свое время они создавались под вполне определенные задачи, а современниками оценивались с позиции их представлений и опыта.

Аллегория в живописи - достаточно частая вещь. Вот пара примеров, касающихся дизайна, а так же ссылки на книги в которые целиком посвящены символам.

Аллегория природы

В классические века природу любили изображать в виде обнаженной женщины. Красота считалась в естественности, ведь природе не нужен никакой орнамент. Например, вот картинка из книги XVII в Cesaro Ripa, Iconologia:

Можно переложить эту аллегорию на информационный дизайн. Показывая только данные, мы показываем нагую женщину. Украшая данные, мы одеваем ее. Любая одежда, какой бы она ни была, будет все равно искусственной. Цель должна быть не в драпировке, а в создании красивого тела.

Аллегория дизайна

А вот так в следующей книге - Nova Iconologia (которую я никак не могу найти, у вас нет?) изображен сам дизайн:

Подпись примерно такова: "Компас показывает, что дизайн основан на измерении и пропорциях; зеркало показывает, что дизайн репродуцирует не внешний мир, а внутренний орган души..."

Перечитав Инструкции для английских дизайнеров XVIII века, можно вспомнить что крутым дизайном считалась удачная аранжировка готовых произведений, продиктованая внутренним гением дизайнера. Вот вам и орган души.